ENTRADA PROVISIONAL: SE AUTO-DESTRUYE… SÓLO PARCIALMENTE

Os ruego que requete-descarguéis en esta entrada lo que ya sabéis: he tratado de requete-aclarar un par de cuestiones que, por lo que he comprobado, aún muchos de vosotros -con las consabidas excepciones, que me demuestran que no se me quedaron en el tintero algunas explicaciones razonablemente buenas- confundís o, radicalmente, desconocéis.

Los “apéndices” siguen siendo de color verde. Dentro de unas semanas transformaré la totalidad del documento en un color negro uniforme (a excepción de los links, en azul), y lo re-enlazaré en otra entrada. Gracias por vuestra atención.

Aprovecho para RECORDAROS que estoy a vuestra disposición para ACLARAR DUDAS, razonables y concretas, sobre cualquiera de los documentos que se os han facilitado hasta el momento y en adelante. Eso me demostraría que, realmente, alguien está estudiando, si sabéis a qué me refiero (dejémoslo en que se demostraría que lo hacen más de cinco). Un saludo.

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FIGURAS RETÓRICAS / LENGUAJE FIGURADO

Más claro, el agua… Alguno se preguntará a qué viene esto en un blog sobre Cultura Audiovisual… Lo cierto es que ya se os facilitó, en su momento, una documentación que hacía referencia a varias de las posibles FIGURAS RETÓRICAS (expresadas de forma visual, se sobrentiende) que enriquecen el lenguaje audio-visual.

No es mala idea tener esta página web como una referencia útil: os puede servir para aclarar ciertos términos y conceptos, los cuales, seamos honestos, a la mayoría se nos olvidan. El problema, en nuestro contexto, es encontrar el correcto correlato visual para cada recurso retórico.

Espero que os sirva para algo.

¡Nunca una flor significó tanto!… A ver si alguno me escribe un comentario con estos datos: título, año, director, protagonista.

OBRAS DE AMPLIACIÓN Y MEJORAS

Uno de mis grupos ya sabe de qué se trata: en VERDE, vais a ver una pocas, pero significativas, aclaraciones sobre ciertos conceptos importantes.

Se trata del último documento sobre MOVIMIENTOS DE CÁMARA y TRANSICIONES, ya retirado del blog (aquí lo restituyo, hasta el próximo viernes), sólo que con esos pocos añadidos, ya mencionados. Recordadlo: en VERDE.

Sobre-impresionado

 

Thomas Harper Ince (compensando su olvido)

Dice Román Gubern en su “Historia del cine” que él, antes que Griffith, crea una “nueva iconografía épica”: la norteamericana. Y lo hace con imágenes en movimiento y en blanco y negro, como no podía ser de otro modo: en escenarios naturales y con utilería real, no de atrezzo; también los indios eran auténticos pieles rojas. El personaje “Rio Jim”, interpretado por una de las primeras estrellas del western, William S. Hart, es uno de los iconos de esta época:

William S. Hart con una dama en peligro… Al menos, lo estuvo hasta la llegada de “Rio JIm” (así se le conocía en Europa)

Y, siguiendo con R. Gubern, al parecer fue Ince el primero de la industria en usar, de manera sistemática, guiones bien detallados en los rodajes (aun sin llegar al nivel de los guiones técnicos que se elaborarían a partir de la adopción del sonido, claro está), ya que en sus producciones gustaba de tenerlo todo bien atado: por motivos económicos, indudablemente, pero también por mantener un estándar creativo y artístico homogéneo y digno.

Ince terminó sus días en 1924, en circunstancias poco claras: oficialmente, un ataque al corazón; oficiosamente, a causa de una “sobredosis” de plomo, inoculado por William Randolph Hearst (¡Sí, Citizen Kane!). Louella Parsons y Charles Chaplin andaban por allí, al parecer… Nunca se aclararon los hechos del todo. ¡Hollywood está llena de historias parecidas!.

Y si os interesa el cotilleo, entonces echadle un vistazo a este trailer sobre “The Cat´s Meow”, una película de Peter Bogdanovich basada en esos hechos. Pero ahora os propongo cabalgar, derrotar a los indios, ir al saloon, pedir un güisqui (o tres) y derribar al pistolero más rápido al oeste del Pecos…

THE “THE JAZZ SINGER” (AL JOLSON´S) / LA PRIMERA PELÍCULA (COMERCIAL) HABLADA DE LA HISTORIA -1927-

Al Jolson (un judío lituano, nacido en 1886, de nombre real Asa Yoelson), protagoniza “El cantor de jazz” (Alan Crossland, 1927), un hito en la historia del cine por razones, básicamente, técnicas, y no tanto por méritos artísticos. Sin embargo, os podréis imaginar que la película fue un enorme éxito en su época, aunque aun no era íntegramente hablada (o “talkie”).

Unas pocas películas anteriores a “El cantor de jazz” incluyeron, esto sí, efectos sonoros y música, pero no diálogos (véase “Don Juán”, también de Alan Crossland, de 1926). Aunque no fueron pocas las posteriores… De hecho, es ya legendaria la resistencia de Charles Chaplin a esta innovación: piénsese en que “Luces de la ciudad” (1931) y “Tiempos modernos” (1936), aun eran películas mudas, aunque no carentes de sonido (en la última sí que hay algunas partes narradas y habladas). Tampoco “El circo”, de 1928, contaba con diálogos.

La violetera…

Y, si queréis ver “El cantor” completa…

MUÑOZ MOLINA REFLEXIONA SOBRE EL “AURA” DEL PASADO: EN TORNO A LA MERCANTILIZACIÓN DE LA NOSTALGIA

Creo que no es tan solo uno de esos temas “tangenciales” en el mundo de la IMAGEN: en este fenómeno -aquí tratado por Antonio Muñoz Molina- radica una buena parte del misterio de un buen negocio universal. Vale la pena reflexionar sobre los mecanismos de la fascinación… y la COTIZACIÓN. A ver qué os parece…

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/02/14/actualidad/1392375499_356159.html

Un ropavejero, por Eugene Atget

AVISO IMPORTANTE: 12 DE FEBRERO DE 2014

He introducido algunas mejorías o aclaraciones en el documento de ayer. No son muchas, pero conviene que lo volváis a descargar y que sustituyáis el previo por éste. Podréis localizar las partes añadidas con facilidad porque están escritas en un color encarnado o anaranjado. Espero que os sea de utilidad.

Columna vertical para sujetar cámaras en tomas de trávelin vertical

 

MOVIMIENTOS DE CÁMARA & TRANSICIONES (DOCUMENTO DEFINITIVO)

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Por fin, tras más dificultades de las previstas (pero creo que el resultado merece la pena), os adjunto el documento en cuestión. Arriba véis una serie de cinco “snapshots” (frames, más bien) de un famosísimo matched cut & dissolve (nosotros lo llamaremos encadenado enlazado o conectado), de la película “Falso culpable” (1956), de Alfred Hitchcock, quien aun hoy es una fuente inagotable de creatividad visual y narrativa.

El documento estará aquí hasta el día 21 de febrero. Tened en cuenta que contiene varios hipervínculos que deberías utilizar. Hasta pronto.

YUTUB (TÉCNICAS CINEMATOGRÁFICAS)

Enredando por “You Tube” me he encontrado con un par de vídeos que muestran todo un catálogo de técnicas (movimientos de cámara, secuencias, planos, angulaciones, trucos, etc.), en una selección muy atractiva y con buen criterio.

Una vez más, se trata de un trabajo en inglés (lo que no es demasiado importante, ya que lo que nos importa aquí es lo visual puro). Os recomiendo un vistazo detenido.

ZOLLY (EFECTO “VÉRTIGO”)

Os recomiendo muy encarecidamente el visionado de este vídeo sobre uno de los más fascinantes efectos ópticos y cinematográficos que podréis ver en una pantalla. La selección de ejemplos es excelente y la realización es muy profesional. De hecho, no creo que necesitéis siquiera entender lo que dice el presentador-realizador para comprender lo que muestra.

Alfred Hitchcock lo creó para esta secuencia maestra, que podréis ver en una de las cumbres del cine: “Vértigo” (De entre los muertos).

CLÁSICO y ABSTRACTO (Buñuel, Renoir y Murnau)

Me temo que estáis liándoos vosotros solos por una única razón: NO ENTENDÉIS EL SIGNIFICADO DE CLASICO (no en este contexto): deduzco que para vosotros clásico significa antiguo. ¿Me equivoco?… En efecto: algo antiguo tiende a ser considerado “clásico” (vintage dirían los angloparlantes). Pero lo clásico no siempre es antiguo; ni lo antiguo es, necesariamente, clásico.

Un ejemplo del primer caso: una película de Clint Eastwood o muchas de Steven Spielberg.

Un ejemplo del segundo caso: “Un perro andaluz” de Luís Buñuel; o “El año pasado en Marienbad”, de Alain Resnais. O “La consagración de la Primavera”, de Igor Stravinsky.

Lo CLÁSICO se atiene a unas “reglas”, a unos esquemas más o menos convencionales y rígidos. Suelen ser éstos perfectamente comprensibles y evitan lo desconcertante, lo excesivamente experimental y lo “raro”; o, al menos, tratan de no abusar de ello. Pretenden los clásicos, asimismo, transmitir mensajes que FLUYAN ante nuestros sentidos sin sobresaltos y sin demasiadas… ¿preguntas?. Pero, por si a alguien le queda alguna duda: cada día aprecio más el valor de lo clásico (bien hecho y bien entendido).

Las líneas de lo clásico son las horizontales y las verticales.

Lo MODERNO (llamadlo “abstracto”, si lo preferís) opta por subvertir reglas, investigar, poner en duda lo establecido y “descoyuntar” lo convencional. Gusta de sorprender y se inclina por correr riesgos. Por eso suele ser muy explícito, muy subrayado: lo que hace por medio de lo que hemos dado en describir como “marcas evidentes (claramente denotadas) de la enunciación”, del discurso. A menudo, esta expresividad se transmite a través de montajes muy rítmicos y hasta frenéticos; también por medio de encuadres sorprendentes, poco usuales.

Las líneas de lo abstracto/moderno serían las oblicuas.

Desde luego, “El acorazado Potemkin” y esto…

http://www.youtube.com/watch?v=BRGnmQA3Ig0

… no tienen mucho que ver… Tratad de encontrar la diferencia (aunque, creo, salta a la vista). No perdáis la ocasión de ver esta joya de Jean Renoir: relajados, abiertos y en las condiciones apropiadas. No os arrepentiréis.

Y, si me permitís otro consejo: como ejemplo perfecto de un equilibrio sublime entre lo clásico y lo moderno, ved “SUNRISE” (“Amanecer”, 1927), de F. W. Murnau: